Julián Larrauri

A lo largo de su carrera ha participado en distintos proyectos de animación y contenidos digitales, integrándose en equipos donde el dominio del pipeline, la atención al detalle y la capacidad de adaptación son fundamentales. Su trabajo refleja una aproximación meticulosa y consciente, donde cada decisión visual contribuye a la coherencia global del proyecto.

Recuerdo desde pequeño estar siempre con un lápiz en las manos, haciendo caricaturas de mis compañeros y dibujando y escribiendo mis propios cómics. Siempre he tenido dentro de mí una necesidad de contar historias, independientemente del medio utilizado. Me pasaba todo el tiempo imaginando historias, escribiéndolas, dibujándolas y repartiéndolas entre mis compañeros y familiares.

Cuando llego la hora de elegir qué estudiar decidí especializarme en Comunicación Audiovisual. La unión del cómic y el cine fue lo que me llevó a enamorarme de la industria de la animación y durante la carrera comencé a desarrollar mis propios cortometrajes animados. Aún puede encontrarse algo en la red, ¡internet no perdona! (risas).

Durante mis estudios universitarios tuve la suerte de poder optar a una beca internacional para poder estudiar cine en la UCLA y trabajar en paralelo en una agencia de guiones en Los Ángeles. Esta experiencia me permitió descubrir de primera mano cómo funcionaba la industria americana. La clave para ellos es que todo es industria. Por supuesto que tienen que hacer películas que sean artísticamente interesantes, que aporten culturalmente a la sociedad, pero su prioridad es que la propia película funcione como negocio, que la gente esté dispuesta a gastarse su dinero en ir a verte. Para ellos todo es un gran espectáculo que debe ser capaz de venderse por sí solo y que cada película que se genere ayude a engrandecer y fortalecer la industria.

En Europa tenemos una concepción más individualista del cine, todos estamos obsesionados con hacer nuestro propio proyecto y sacarlo adelante sin importar mucho cómo está la industria. A veces nos escudamos en la palabra “cultura” para hacer nuestros proyectos, que la gente no tiene interés en ver y que acaban olvidados en archivos estatales. El propio sistema de ayudas púbicas de muchos países europeos obliga a competir entre nosotros sin centrarse en la prioridad de crear un tejido industrial que nos haga realmente independientes. Afortunadamente, esto está cambiando mucho en los últimos años y cada vez el negocio del cine, y especialmente el de la animación, es más abierto e internacional.

El gran desafío de adaptar una obra tan conocida como “Mortadelo y Filemón” fue respetar el legado de Ibáñez a la vez que tratábamos de cumplir las expectativas que tenía cada fan de estos personajes tan icónicos. En este caso, trabajar con Javier Fesser fue una auténtica bendición. No sólo es una excelente persona y un excelente director con el que trabajar, sino que entendió perfectamente a los personajes y supo exprimir todo el jugo del universo de Ibáñez.

Creo que la clave principal al enfrentarte a un proyecto es ser consciente de qué tipo de proyecto estás realizando. No es lo mismo producir una película para un público infantil internacional que una película de autor para público adulto. Cuando conoces en profundidad tu público, tu nicho de mercado, el tema del que quieres hablar, etc. puedes establecer un presupuesto acorde a tus objetivos y plantear una película que logre llegar a ese público restringido que tú mismo te has marcado. Luego buscas un estilo de animación que sea coherente con ese presupuesto. No hubiera tenido sentido, por ejemplo, haber hecho “Robot Dreams” en CGI.

Para mí fue ver un objetivo vital cumplido. Haber visitado Los Ángeles al principio de mi carrera y soñar con formar parte de esa industria algún día, para luego verme, pasados los años, paseando por la alfombra roja, fue una recompensa después de tanto tiempo de trabajo duro tratando de hacer las cosas bien.

Lo más importante es tener una idea clara de lo que queremos contar. Es decir, una visión, que normalmente vendrá de la mano del director. Muchas producciones pierden el rumbo porque grandes ejecutivos o grandes creativos, con la mejor de sus voluntades, entran a opinar sobre cómo debe ser la película, sin permitir que el director plasme su autoría en la obra. Así, muchas películas mueren ahogadas por una falta de visión clara. El objetivo de un productor debe ser ayudar a director a encontrar esa “visión” lo antes posible y luego lograr transmitirla a todo el equipo para que todos vayamos al unísono.

A nivel nacional he observado una explosión de la industria española. De repente el mundo ha descubierto los increíbles creativos que tenemos en España. No hay más que mirar nuestra historia para comprobar el talento artístico que desborda España en multitud de disciplinas artísticas. Y hoy en día puede observarse esa tradición de la forma más plástica, tanto en las producciones españolas como en producciones internacionales, con talento patrio en puestos clave de la producción. Debemos sentirnos muy orgullosos de nuestro arte.

Desde la perspectiva internacional, observo con gran alegría como poco a poco se va entendiendo que la animación no es algo solamente para niños y que se pueden hacer propuestas para todo tipo de públicos. Y que eso no significa hacer animación plagada de sexo y violencia, que si no corremos el riesgo de que se nos encorsete de nuevo en estructuras muy cerradas. La animación no es más que un medio artístico y permite todo tipo de expresiones y públicos, tal y como permite la pintura, el cine o la narrativa. Películas como “Robot Dreams”, “Flow”, “Anomalisa” o “Isla de Perros” están ayudando a ampliar las fronteras de la animación.

Siempre entiendo estos premios como un reconocimiento al trabajo bien hecho de los directores y los equipos que he tenido a mi cargo. El cine de animación es el arte más bonito que ha existido jamás, porque es un arte coral en el que cada miembro del equipo aporta dentro de su “expertise” todos guiados por la batuta del director. Quizás el director no sabe dibujar o animar, o no entiende de música o de color, pero se rodea de gente que es sublime en esos campos y todos juntos logran una obra infinitamente superior a la suma de los talentos por separado. Es el perfecto ejemplo de sinergia. Mi merito aquí sólo consiste en conseguir conjugar correctamente los diferentes talentos de la gente y guiarlos a todos a un objetivo común.

Esta industria tiene tres patas fundamentales: la creativa, la organizativa y la tecnológica. Es por esto por lo que los puestos de mayor responsabilidad en cualquier proyecto animado son precisamente el Director Creativo, el Director de Producción y el Director de Tecnología. Mi consejo para cualquier persona que quiera desarrollarse en cualquiera de estos tres puestos es que sea fuerte en, al menos, dos de estas tres patas. El máster de la U-Tad te convierte en un fuera de serie en la parte organizativa, pero es vital también formarse en alguna de las otras dos patas. Y como comentábamos anteriormente ser un experto en guion y en narrativa es una condición “sine qua non”.

Recientemente hemos estrenado la primera temporada de “Secret Level” para Blur Studios, que ha sido el mejor estreno de animación de la historia en Amazon Prime. Estamos muy orgullosos de esta serie, de la que hemos realizado tres episodios.

Estamos también desarrollando ahora mismo una nueva temporada de una franquicia internacional que dará mucho de qué hablar, pero de la que aún no puedo decir nada. Además, tenemos pendientes el estreno de dos cortometrajes de animación para adultos de reconocidos directores españoles que creemos que huelen a Oscar.

Creo que la industria está cambiando a una velocidad de vértigo. Lo más urgente que se debe revisar es la creación de un marco legal que proteja a los autores y sus obras. No podemos permitir que una tecnología disruptiva ignore las bases legales con las que nos hemos estado moviendo las últimas décadas.

Una vez establecido esto, creo que la inteligencia artificial es una herramienta muy interesante que puede llegar a abaratar mucho los costes de producción, sobre todo en las fases de iteración, lo que permitirá que muchos autores podrán desarrollar sus propias películas con equipos muy pequeños. Ahora mismo vivimos una dinámica en la que se hacen muy pocas películas con muchos artistas. Creo que la tendencia será aumentar el número de películas reduciendo el número de artistas involucrados.

Los próximos años saldrán muchas películas y cortometrajes mediocres con un alto contenido de inteligencia artificial. El éxito lo lograran sólo aquellos que sepan conjugar la IA con el talento humano, usando la primera como una herramienta que aúpe al ser humano, y no como un sustitutivo. Hay que tener en cuenta que al igual que una cámara de fotos no te convierte en fotógrafo, la IA no te convierte en artista, pero saber usar esa herramienta puede dar lugar a resultados muy interesantes.

He tenido la suerte de vivir mi infancia y adolescencia con influencias muy dispares, lo que creo que me ha dotado de un estilo ecléctico y de una mirada que huye del encorsetamiento. Por mis manos pasaron mangas de Toryima, Tezuka, Takahashi, Oba y Obata, comics europeos de Uderzo y Goscinny, Herge y Jan o americanos como Eisner, Waterson, Sakai o Jeff Smith. En paralelo descubrí de la mano de mi padre los grandes clásicos del cine, lo que culminó en auténticas maratones analizando hasta la última de sus películas.

He tenido la suerte de poder estar involucrado en pequeñas películas de autor y en grandes “blockbusters” internacionales, en aportar mi granito de arena tanto en series como en películas, en probar diferentes estilos de animación como “uto ut”, tradicional, CGI… algún día me gustaría tener la oportunidad de trabajar también en “stop motion”. Hay tantas películas maravillosas con esta técnica. Puestos a cumplir un sueño, me encantaría tener la oportunidad de poder trabajar con Miyazaki o con Brad Bird. Son dos grandes creadores que admiro mucho.

Mucha gente piensa que el productor es un señor con corbata que fuma puros y pone los pies encima de la mesa mientras cuenta sus fajos de billetes. Otros muchos lo ven como una especie de “policía” que te persigue con el látigo para asegurarse que entregas todos tus planos a tiempo. La realidad es que la persona de producción tiene que ser un facilitador. Alguien cuya misión es asegurarse de que al equipo nunca le falte nada para poder sacar adelante su trabajo.

La vocación del productor es de servicio, algo que hoy en día quizás no está muy bien visto. Cuando te involucras en un proyecto haces tuyo el sueño de otro. Te comprometes a dedicar los siguientes dos o tres años de tu vida a sacarlo adelante, dedicando todas tus horas a organizar a todo un equipo para que reme en la misma dirección. Es una experiencia muy gratificante ver cómo una película va creciendo entre tus manos y ser partícipe en las decisiones clave que la hacen ser lo que es al final.