Carlos Baena

Su trabajo como animador de personajes puede verse en películas tan emblemáticas como «Cars«, «Ratatouille«, «Up» o «Toy Story 3«, así como en producciones vinculadas al universo «Star Wars» durante su etapa en ILM. En todas ellas, su aportación destaca por una animación profundamente conectada con el acting, la emoción y la credibilidad de los personajes, siempre al servicio de la narrativa.

Además de su carrera en grandes estudios, Carlos ha desempeñado un papel fundamental en la formación y mentoría de nuevas generaciones de animadores, compartiendo su experiencia y visión tanto en el ámbito educativo como en proyectos personales e iniciativas propias. Su perfil combina excelencia técnica, sensibilidad artística y una clara vocación por transmitir conocimiento.

Si te soy honesto, yo crecí con “Star Wars”, no con “Star Trek”. Sabía lo básico — que existían personajes como Kirk y Spock, la nave Enterprise… pero no mucho más. No fue hasta que me contactaron a principios del 2022 que empecé realmente a explorar este universo. Lo primero que investigué fueron los orígenes de la serie, porque el primer “teaser” que dirigí incluía al personaje de JM Colt, del episodio piloto “The Cage” de 1965. Desde entonces he ido aprendiendo muchísimo mientras he estado trabajando en las siguientes piezas.

A lo largo de todo el proceso, compartimos diferentes etapas del cortometraje con William Shatner, la viuda de Leonard Nimoy y Paramount Pictures — desde los storyboards hasta la pieza final. William Shatner quedó impresionado con la tecnología que utilizamos, pero también expresó su deseo de que esa tecnología se aplicara con honestidad y con la intención de crear algo sincero y con significado.

El proceso completo, desde las primeras conversaciones creativas con el guionista hasta el lanzamiento público del cortometraje, duró aproximadamente 10 meses. Al inicio, la producción se organizó como cualquier otro proyecto: trabajamos a partir de un tratamiento (sin guion aún) y comencé a editar storyboards que me pasaba Ahmed Nasri, con quien me gusta trabajar. Posteriormente se unió Jonathan Roybal en la previsualización, con quien había trabajado en “Wondla” para Skydance/Apple. Con ese material, fui editando distintas versiones del cortometraje y probando cosas hasta que llegó el rodaje, en verano.

Desde el inicio tenía claro que quería rodar este corto con lentes anamórficas y en formato 2:39, igual que el cortometraje anterior de “765874 Regeneration”. Me parecía importante mantener esa continuidad estética. Los artistas J.J. Palomo, Aaron Westwood, Neil Smith, Andrew Jarvis, así como Mike Ashton, John Lee y el resto del equipo de tecnología facial de OTOY fueron igualmente fundamentales en la creación de los complejos planos visuales.

Con el tiempo, y mientras me he ido adentrando más en el universo de “Star Trek”, he empezado a notar los muchos puntos en común que tiene con la serie “La Dimensión Desconocida”. Siempre he sentido una gran admiración por Rod Serling y su manera de usar el género supernatural para hablar de temas profundos: sociales, políticos, filosóficos. Hace poco noté que Gene Roddenberry el creador de “Star Trek”, compartía esa misma sensibilidad. Ambos usaban el género como un espejo para hacernos pensar y sentir. “Star Trek”, en el fondo, habla de curiosidad, de esperanza y de una visión optimista del futuro. Y eso era parte esencial de lo que quería transmitir en este cortometraje.

Al no tener diálogos efectivamente la música y el diseño de sonido se convirtieron en partes imprescindibles para comunicar esta historia. Para mí, la música era algo muy personal. Estuve probando muchas opciones durante la edición, pero siempre tuve en mente que la persona ideal para este proyecto era Michael Giacchino.

Lafalta de un pipeline ya establecido y la limitación del número de artistas de VFX. Al no ser OTOY un estudio de producción, los efectos visuales fueron un reto constantemente. Pude integrar algunas herramientas que ya había usado anteriormente como SyncSketch para hacer reviews. Por otro lado ayudó mucho la experiencia de los artistas de VFX aun cuando teníamos limitaciones de pipeline. 

Cada uno tiene sus retos. Sus pros y contras.  En los rodajes ayudó mucho el poder usar la tecnología facial en tiempo real. Prácticamente me permitió dar notas a los personajes, en vez de a los actores. 

No tengo mucha información precisa sobre el proceso de render. Sé que se utilizó una solución híbrida: algunos planos se renderizaron en la nube y otros localmente, dependiendo del flujo de trabajo de cada artista. Pero no estoy del todo al tanto de cómo se gestionó eso en detalle. 

Trabajar con J.J. Palomo y Alejandro fue realmente especial. No solo demostraron un gran nivel técnico, sino también una paciencia enorme frente a un proceso nada sencillo. J.J. Palomo es alguien con quien ya he tenido la suerte de colaborar varias veces (5 proyectos ya con él y con OTOY), y su talento siempre me deja asombrado. Pero más allá de lo técnico, valoro mucho su honestidad y transparencia, cualidades poco comunes en esta industria.

A Blow les tocó enfrentarse a dos planos de VFX especialmente complejos que incluso se había considerado el volver a rodarlos inicialmente. Pero una vez que Alejandro y su equipo se pusieron con ellos, consiguieron sacarlos adelante con un nivel realmente impresionante. Estoy muy agradecido de haber contado con ellos en el corto.

Aprendí a no volver a meterme en una franquicia así. Es broma. Cada proyecto trae sus propios retos, y este tuvo muchos concentrados en uno solo. Como director, me vi obligado a pelear por lo que sentía que el cortometraje necesitaba, mucho más de lo que había hecho en trabajos anteriores.

El estudio ya contaba con una enorme cantidad de material digital de ambos actores. En cuanto a la animación, utilizamos una tecnología relativamente nueva que no requiere los tradicionales marcadores faciales de captura de movimiento, como los que se usaron en “Avatar” o “Planet of the Apes”. Uno de los grandes beneficios fue poder aplicar esta tecnología en tiempo real durante el rodaje: podía ver a los personajes de Kirk o Spock en todo momento, incluso fuera de cámara.

Todo depende del contexto, de cómo se aplica la tecnología y del nivel de control que se le otorga a la IA. Cuando se le da demasiado poder creativo, se empieza a notar una falta de intención artística: se generan imágenes visualmente atractivas, pero sin una verdadera carga emocional ni narrativa. Aun así, es evidente que estas herramientas tienen un potencial enorme y no se pueden simplemente ignorar.

Actualmente estoy desarrollando proyectos de animación para Skydance y Disney+, además de otro proyecto animado independiente. Por otro lado, también estoy intentando sacar adelante varios guiones de ficción junto a muy buenos guionistas.

Algunos de ellos los llevamos trabajando desde hace tiempo, afinando el guion hasta dar con la versión adecuada. En general, estoy intentando desarrollar varias cosas a la vez. Esto es como la lotería: compras muchos décimos y, si toca algo, alegría.

Desde luego. Es una industria que no es siempre fácil de navegar. Hay baches, caídas y recompensas. La cantidad de ostias que me habré dado a lo largo de los años. Aun así mi consejo es que de alguna forma se aprenda de todas esas experiencias buenas y malas. Si te caes levántate rápidamente y sigue para adelante. Si no estás en un proyecto que te guste, busca formas de disfrutarlo a medida que buscas el siguiente proyecto.

Si escasean oportunidades de trabajo, aprovecha ese tiempo para seguir aprendiendo. Cada vez que te encuentras con un obstáculo, también aparece una oportunidad. Y cada “no” que recibas, quizás te está redirigiendo hacia algo que valga aún más la pena.